Sightlines, Ghosts, and Other Stories of the Impossible @ ART + PUBLIC LIFE, CHICAGO: Jess Atieno

Cette exposition explore l’héritage en constante évolution du modernisme africain à travers le devenir de l’architecture de l’époque de l’indépendance. Autrefois considérées comme les symboles d’une Afrique moderne nouvellement imaginée, de nombreuses structures brutalistes et modernistes se trouvent aujourd’hui dans un état de dégradation et de transformation, révélant ainsi le modernisme comme un courant instable, inachevé et sans cesse renégocié. Loin d’être le signe d’un échec, ces conditions montrent que le modernisme est un projet en cours et non résolu, façonné par des promesses politiques. En dialogue avec les histoires de la diaspora noire à travers les mondes de l'Atlantique et de l'océan Indien, l'œuvre aborde l'eau, le son et la circulation comme des forces spatiales qui compliquent la permanence architecturale.

 

La pratique artistique de Jess Atieno (artiste en résidence du programme « Arts + Public Life » 2023) aborde les modernismes africains et la culture visuelle à travers un prisme postcolonial, en examinant de manière critique l’empreinte durable des pratiques photographiques coloniales sur les représentations du lieu, du foyer et de l’identité. Ses recherches interrogent les images historiques, en s’intéressant à leur présence spectrale et à la manière dont elles interviennent dans la mémoire, l’appartenance et la dépossession.

 

Guidée par des gestes artistiques qui placent au centre des interprétations décolonisées de l’histoire, Atieno effectue des voyages dans le temps à travers les vestiges matériels de l’histoire, tels que photographies, cartes et documents, qu’elle intègre dans la réalisation de grandes sérigraphies et de tapisseries tissées complexes. Ces actes de remédiation ne se contentent pas de reproduire ces images, mais les réaniment, ébranlant leur fixité et les ouvrant à de nouvelles possibilités de sens.

 

Atieno utilise le collage, la fragmentation et la manipulation des matériaux comme stratégies pour déstabiliser le champ photographique, faisant de son travail des lieux d’intervention. En utilisant le demi-ton de la sérigraphie et le tissage du code binaire comme registres visuels, elle construit des récits poétiques nuancés qui résistent au regard totalisant de la photographie coloniale. Ce processus se déroule à travers une collaboration haptique entre son corps, l’écran de sérigraphie et le métier à tisser — une négociation incarnée et multisensorielle qui remet en question les logiques coloniales de la visibilité et de la représentation, proposant en fin de compte des façons alternatives de voir et de connaître.